Expositie

Nuweland Artists Presentation

04 maart - 08 mei 2021

Wij zijn verheugd te melden dat de galerie weer geopend is. Op afspraak, dat wel. Maar wij kijken er naar uit u weer te mogen verwelkomen.

Vanwege de huidige maatregelen zal Nuweland voorlopig een aangepast programma presenteren. Dit voorjaar presenteren wij werken van onder andere Sanell Aggenbach, Morné Visagie, Pierre Fouché, Shakil Solanki en Ben Orkin.

 

Sanell Aggenbach

Het werk van Sanell Aggenbach handelt voornamelijk over de kruising van geschiedenis en privéverhalen door het proces van herinnering en interpretatie te beschouwen. Haar werk vertoont een volleerde virtuositeit terwijl ze zich comfortabel beweegt tussen verschillende disciplines zoals schilderkunst, print making en beeldhouwkunst.

Sinds 2003 richt Aggenbach zich vooral op ondermijnde vrouwelijke stijlfiguren en feministische thema’s. In haar meest recente solotentoonstelling, Bend to Her Will, herformuleerde ze op subtiele en ondeugende wijze de hobbyistische kunst van het bloemschikken door zich de traditioneel mannelijke kunst van de Japanse Ikebana toe te eigenen. Haar sculpturale werk, voornamelijk in brons, parodieert westerse meesterwerken van Michelangelo, Henry Moore en Warhol tot Pierneef en werpt een verfrissende blik op deze cruciale verwijzingen vanuit het perspectief van een vrouw.

Aggenbach (1975), geboren in Kaapstad, woont en werkt momenteel in Woodstock, Kaapstad. Haar onderzoekende werk heeft haar vele successen opgeleverd, waaronder het winnen van de Absa L’Atelier Award in 2003. Haar werk is vertegenwoordigd in tal van openbare en privécollecties, waaronder Sasol, Absa, Spier, SABC, Red Bull (Oostenrijk), de South African National Gallery , 21C Museum in Kentucky (VS) en Anglo Gold.

“Mijn eerdere werken waren sterk afhankelijk van het verwerken van gevonden beelden, het heroverwegen van associaties en het creëren van nieuwe ficties. Deze werken waren vaak een samensmelting van historische referenties met privéverhalen en maken deel uit van een proces van onderzoek naar pathologieën en het deconstrueren van het verleden. Mijn voornaamste bedoeling is om subtiele paradoxen te construeren door een behoorlijke humor te introduceren, zowel formeel als materieel. “

 

Morné Visagie

Morné Visagie (1989) is een Zuid-Afrikaanse kunstenaar en curator die in Kaapstad woont en werkt. Visagie voltooide zijn MFA aan de Michaelis School of Fine Art (UCT) in 2019. Hij volgde drie jaar (2013-2016) een opleiding tot professioneel graficus bij Warren Editions, een printstudio voor beeldende kunst in Kaapstad. Visagie heeft verschillende solotentoonstellingen gehad en zijn werk is opgenomen in vele groepstentoonstellingen.

Visagie had zijn eerste internationale solotentoonstelling in 2018 bij Galerie Nuweland. “Die Bloue Wis”, was een gecureerde tentoonstelling van werken uit 2011-2018. Opgroeiend op Robbeneiland werd de Atlantische Oceaan, die Visagie van het vasteland scheidde, een terugkerende metafoor in zijn verbeelding, en de afgelopen acht jaar was de kleur blauw het belangrijkste medium in zijn werk; een persoonlijk symbool van dood, verlies, nostalgie, geheugen, religie, seksualiteit, ballingschap en afstand.

Met zijn recente oeuvre, ‘The Last Colour to Fade’ (2019), onderzoekt hij de geschiedenis van Robbeneiland als een plaats van ontwrichting en verlies voor degenen die gediscrimineerd zijn (verbannen en opgesloten daar), en de zee in dit geval de Atlantische Oceaan, als overgangsruimte tussen leven en dood. Gebaseerd op persoonlijke herinneringen en collectieve geschiedenis, biedt ‘The Last Colour to Fade’ een meditatie op de zee als zowel een fysiek als psychologisch landschap. Herinneringen aan Visagie’s jeugd op Robbeneiland zijn verweven met historische feiten, met verhalen die zijn ontleend aan literatuur en film, en beelden uit kunst en leven. Wisselend tussen eerste persoon en derde, tussen zijn eigen reflecties en die van anderen, heeft hij in de levens en werken van Adriaan Van Zyl, Derek Jarman, Jean Genet, Virginia Woolf en anderen een gedeelde affiniteit met water gevonden. De zee – veranderlijk, wisselvallig – openbaart zich niet alleen als belofte en gevaar, maar ook als sensualiteit, verlangen en erotiek. Het biedt als imperfecte parallel het beeld van het zwembad en de bijbehorende kleedkamer, en roept een geschiedenis op van het vreemde lichaam in kunst en schrijven.

Visagies huidige en recente werken zijn geabstraheerde interpretaties van deze thema’s, waarbij kleur en materialiteit primair zijn. De werken delen een aanhoudende serieelheid, met het terugkerende beeld van een zwembad, het motief van tegels en herhaling van vorm. De meeste neigen naar kwetsbaarheid, naar een voorgestelde vergankelijkheid, gemaakt van tissuepapier, gerecyclede materialen of bevlekte tarlatan-stoffen.

 

Pierre Fouché

Pierre Fouché (1977, Pretoria) stelt zich voor als lace maker. Deze aanduiding onderstreept zijn interesse in de technieken, materialen, geschiedenis en maatschappelijke relevantie van textiel. Zijn respect voor techniek, traditie en innovatie heeft Fouché zijn plaats binnenin verdiend het ambachtelijke etablissement als een internationaal gerespecteerde beoefenaar en leraar van eigentijds kloskant. Zijn voorliefde voor geheimzinnig media en esthetiek hebben ertoe geleid dat zijn praktijk macramé, borduurwerk met getrokken draad, encaustisch schilderen en pinhole-fotografie omvat, evenals traditionele schilderkunst, tekenen en prentkunst. Thematisch concentreert zijn werk zich op portretten en de blik, fotografie en representatie-, toe-eigenings- en webmediaculturen, evenals enkele uitstapjes naar openlijke queerpolitiek. Vaak geïnformeerd door de wereld kunstgeschiedenis neigt zijn verlangen om de machinerie van hedendaagse visuele culturen te begrijpen naar de romantiek. Zijn consequente huwelijk van iconografie met vakmanschap draagt ​​ook bij aan deze lezing.

Fouché behaalde zijn MA in Fine Arts aan de Universiteit van Stellenbosch in 2006. In 2018 was hij de hoofdartiest van de Andorrese stad Escaldes – Engordany’s 12e Textiel- en Glassymposium. Opmerkelijke groepstentoonstellingen zijn onder meer Lace / not lace in de Hunterdon Kunstmuseum in Clinton, New Jersey; Vervaardigd: objecten in beweging in het Boston Museum of Fine Arts (2018), Vrouwenwerk in de Iziko South African National Gallery (2016), evenals de reizende tentoonstelling, Queer Threads: Crafting Identity and Community, voor het eerst tentoongesteld in het Leslie + Lohman Museum of Gay and Lesbian Art, New York (2015). Zijn werk is vertegenwoordigd in de openbare collecties van de Iziko South African National Gallery en de Artphilein Foundation, Zwitserland.

 

Shakil Solanki

Shakil Solanki (1997) werd geboren in Kaapstad, Zuid-Afrika. Hij heeft in 2019 zijn bachelordiploma behaald aan de Michaelis School of Fine Art en is momenteel gevestigd in Kaapstad waar hij als kunstenaar werkt. Solanki specialiseerde zich  tijdens zijn derde en vierde studiejaar in print making. In zowel 2018 als 2019 werd hij op de Dean’s Merit List geplaatst voor consistente academische excellentie. Na afronding van zijn studie eind 2019 ontving hij de Simon Gerson Award als erkenning voor uitmuntend praktisch werk en de Katrine Harries Print Cabinet Award voor uitstekende prestaties op het gebied van prentkunst. Sinds 2018 heeft hij deelgenomen aan verschillende groepstentoonstellingen en een residentie bij de South Atlantic Press in 2020.

 

Ben Orkin

Ben Orkin is geboren in Kaapstad, 1998. Eerder werkte hij onder zijn gekozen naam, NEBNIKRO, multidisciplinaire kunstenaar Ben Orkin begint zijn praktijk als beeldhouwer in Zuid-Afrika te vestigen. Resulterend door de inversie van zijn eigen naam stond NEBNIKRO de vloeibaarheid toe van identiteit, categorisatie, concept en vorm. Zijn praktijk is een middel om te bewegen weg van verwachtingen afgeleid van het traditionele denken en is een stap in de richting van zijn eigen identiteit definiëren.
Orkin voltooit momenteel zijn BA Fine Arts aan Michaelis School of Fine Art in Kaapstad, Zuid-Afrika. Zijn reeks media omvat fotografie, kralenwerk, keramiek en beeldhouwkunst. Orkin wordt geïnspireerd door de menselijke vorm terwijl deze evolueert door de ervaring van zowel ruimtelijke als interpersoonlijke relaties.
In 2018 won Orkin Best New Talent op de 100% Design-beurs in Zuid-Afrika. Orkin’s serie grootschalige sculpturen centraliseert liefde gedeeld, gegeven en genomen tussen geliefden. Belangrijk is dat hij nadenkt over deze liefde vanuit zijn positie als een queer artist.
De keramische objecten van Orkin worden emblematisch van één lichaam gevormd tussen twee partners die smelten en in elkaar overgaan. Binnen vreemdheid aangetrokken worden door of het liefhebben van een lichaam dat hetzelfde of vergelijkbaar is met dat van jezelf, zorgt verder voor de nabijheid van “gelijkheid”. Geslacht wordt relationeel en interactief in plaats van isolerend. De “eenheid” van deze twee samengevoegde delen en de intimiteit van dit gebaar is een terugkerend thema in het werk van Orkin. Formeel speelt hij met symmetrie om gemeenschappelijke thema’s verder te verkennen; gedeeld offer; afhankelijkheid; balans; en uiteindelijk in en uit de pas lopen in al deze aspecten van een relatie.

 

 

 

a a